Die „siebte Kunst“ geht nie unter
Im Buch von Beatrice Fiorentino ist das Kino der Vergangenheit, der Gegenwart und auch der Zukunft
Es fällt uns Menschen des 21. Jahrhunderts wirklich schwer, an eine Zeit zu denken, in der es keine Möglichkeit gab, die Realität mit einer Film- oder Videokamera festzuhalten.
Doch bis vor etwas mehr als einem Jahrhundert schien Fotografie bereits wie technische Magie zu sein.
Als die französischen Brüder Lumière ein einziges Instrument patentieren ließen, mit dem eine Folge von Bildern auf eine weiße Leinwand projiziert werden konnte, um den Effekt einer Bewegung zu erzeugen, kam es ihren Zeitgenossen wie ein Wunder vor. Der erste produzierte Kurzfilm aus dem Jahr 1895 trug den Titel „Der Abgang der Arbeiter aus den Lumière-Werkstätten“ und fing einen Moment des Lebens aus der Realität ein. Seine erste Vorführung löste beim anwesenden Publikum, das von der Möglichkeit beeindruckt war, eine sehr starke emotionale Wirkung aus eine exakte Reproduktion der Realität zu erhalten. Ein weiterer der ersten Lumière-Filme mit dem Titel „Die Ankunft des Zuges am Bahnhof Ciotat“, in dem das damalige Symbol schlechthin für Dynamik und Geschwindigkeit auftauchte, der Zug, war ein Unmittelbares Erfolg beim Publikum und löste ein tiefes Echo aus, das schnell Zuschauer auf der ganzen Welt beeindruckte . Es heißt, dass es bei einer der ersten Vorführungen des Films zu einem allgemeinen Ansturm kam, weil die Bilder eine Lokomotive zeigten, die immer näher kam und den Zuschauern entgegenkam glaubten, sie stünden kurz vor der Überforderung.
Seit diesen ersten Pionierfilmen ist viel Wasser unter der Brücke geflossen, aber der Zauber dessen, was vor einem Jahrhundert als „siebte Kunst“ getauft wurde, ist nicht verloren gegangen . Tatsächlich scheint es, wenn es mit einer Krise konfrontiert wird, immer wieder aufzustehen, wie ein neuer arabischer Phönix. Das beweist uns einmal mehr der von mehreren Händen verfasste und von der Filmkritikerin Beatrice Fiorentino herausgegebene Band „Nuova storia del cinema“ (Hoepli editore, 2023, S. 414, auch E-Book).
Das Buch führt uns zurück zu den Anfängen des Phänomens und zeigt uns , wie es der Kinematographie immer gelungen ist, sich zu erneuern und mit der Zeit zu gehen .
Nach der Erfindung der Lumières wurde das Kino zu einem Massenphänomen, die Filme wurden länger (auch wenn die meisten etwa zehn Minuten dauerten), komplexere Geschichten wurden erzählt und die ersten Stars wurden geboren. Die Filme waren ausschließlich schwarz-weiß. Die wenigen Farbsequenzen, die in den Filmen des frühen 20. Jahrhunderts vorkommen, wurden durch manuelles Malen jedes Bildes erstellt. Erst ab den 1930er Jahren begann man mit der Produktion von Vollfarbfilmen.
Darüber hinaus kannte das frühe Kino keine Spezialeffekte und die Aufnahmen waren fast alle fixiert. Tatsächlich gab es keinen Zoom, und das Bewegen der Kameras, um unterschiedliche Aufnahmen in derselben Szene zu machen, war sehr komplex, da es sich um schwere und unhandliche Maschinen handelte. Vor allem war dieses Kino wortlos, es war Stummkino, weil es keine Möglichkeit gab, Bilder, Stimmen und Töne gemeinsam aufzunehmen und zu synchronisieren. In den Kinos wurden die Filme vom Klang eines Klaviers oder eines kleinen Orchesters (in den luxuriöseren Kinos) begleitet. Die Bilder waren auch mit Bildunterschriften durchsetzt, die erklärten, was auf dem Bildschirm geschah. Diese Bildunterschriften wurden oft von einem Sprecher vorgelesen, da ein großer Teil des Publikums Analphabeten war.
Einige Zuschauer spezialisierten sich sogar darauf, den Schauspielern auf der Leinwand von den Lippen zu lesen, um zu verstehen, was sie sagten. Erst 1927 wurde das Kino zum Tonfilm und ab den 1930er Jahren verbreitete sich der Tonfilm . Um das Sprachproblem in ausländischen Filmen zu lösen , wurde auch die Synchronisation erfunden . In den Anfangsjahren war eine Synchronisierung jedoch nicht möglich und derselbe Film wurde in mehreren Sprachen und mit unterschiedlichen Schauspielern gedreht, um den Film in möglichst vielen Ländern verkaufen zu können .
Kurz gesagt, es gibt wirklich viele Geschichten über das Kino und seine Welt zu erzählen, und der Band von Beatrice Sorrentino möchte eine Einladung sein, sie und ihre Protagonisten zu entdecken. Mithilfe eines narrativen Ansatzes, der sowohl erfahrenen Kinoliebhabern als auch Neulingen zugänglich ist, werden die wichtigsten künstlerischen, historischen, technologischen und sozialen Phasen untersucht, die die Geschichte der siebten Kunst geprägt haben : Stummfilm und das goldene Zeitalter Hollywoods; Genres und Autorenkino; die Bewegungen, die Schulen, die Strömungen; Neorealismus und das Vage; Neues Hollywood, postmodernes Kino, die Krise des Kinos und die Reaktion von Comicfilmen, Sagen und Neustarts bis hin zu den Herausforderungen neuer Sprachen im Zeitalter der On-Demand-Plattformen. All dies in einem Werk, das sich auf eine Pluralität von Stimmen stützt, um unterschiedliche Perspektiven anzubieten, nicht eindeutige Perspektiven, um einen Weg zu definieren, auf dem wir uns im kontinuierlichen Fluss der Bilder orientieren können, in den wir jetzt eintauchen. Ziel: Versuchen Sie, Spaß daran zu haben, die Vergangenheit mit den Augen der Gegenwart zu betrachten , mit der Möglichkeit, zu übersehen oder zu vertiefen, schneller und langsamer zu werden, zu verweilen oder weiterzuspringen, sich sogar zu rehabilitieren, und dabei stets den unantastbaren Meistern den gebührenden Respekt zu erweisen, aber ohne durch vorgefasste Dogmen oder übermäßige Ehrfurcht zu sehr gehemmt sein.
Wenn es darum geht, über die Ursprünge zu informieren, geht es vor allem darum, eine Verbindung zur Gegenwart herzustellen und den Mut zu wagen, über die Zukunft nachzudenken. Das eines Kinos, das anders ist als gestern und heute, aber immer Kino.
